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馬勒交響曲的錄音版本

文／歐頭（台中古典音樂台「古典啟示錄」主持人）

馬勒交響曲的聽覺效果好，視覺效果更不在少。在介紹馬勒交響曲經典錄音支前，我們先從管絃樂法來看馬勒交響曲的突破創新之處。

一、巨大的樂章結構。交響曲本就結構複雜，馬勒的作品又是其中之最，把浪漫主義晚期的音樂美學推到極致。第二、第五、第七號都是五樂章，都比傳統交響曲多出一個樂章。第三號交響曲更擴充到六樂章，光是第一樂章的規模就超過整首貝多芬《命運》。
二、龐大的樂團編制。馬勒認為「一首交響曲能建構一個世界」，最佳例子就是第八號《千人》，演出時舞台上擠了近千人。馬勒講究音樂厚實感，往往把法國號、長號以及低音大提琴，份量配置加倍。即使企圖走古典精巧路線的第四號，編制也很龐大。
三、精巧的配器。馬勒的指揮經驗豐富，第一號到第八號交響曲都是親自上陣指揮首演。他把指揮實戰經驗用在創作上，從最纖細到最宏偉的效果都能得心應手，對死亡、秋天等氣氛的掌握，尤其精準而寫實。他曾在排練第二號交響曲時，大幅修改第二樂章樂譜，把大提琴改為與低音管同度音，拿掉雙簧管換成兩支長笛，並用長號奏出和絃，效果好到讓布拉姆斯都稱讚他「革命家之王」！

馬勒看似浪漫誇大的管絃效果，其實有古典精緻的內涵。音樂由不同聲部輪唱進行，讓聽眾清楚地感受到對位。龐大樂團也能呈現室內樂般的細緻，結構巨大卻內在邏輯清晰，音響效果令人驚歎！尤其是女聲與管絃樂的融合上尤為傑出。他也勇於引用新樂器，像是曼陀林或是第四號交響曲中的變調弦樂。
四、更多的個人企圖。馬勒在五歲、六歲、十一歲（兩個）、十三歲、十四歲時，都有手足夭折，所以他的童年可說被死亡、葬禮所圍繞，而對生死的思索也成為他交響曲發展的基調。

馬勒的交響曲比起其他交響曲呈現更多的敏感，更多的技巧野心，也讓指揮有很大的詮釋空間，能在表面進行雕琢聲音的遊戲，也能鞭辟入裡的進入心靈探索，百家爭鳴的演出錄音，提供給樂迷無限欣賞樂趣。

完成馬勒十首交響曲全套錄音的指揮不多，大多只錄前九首。其中蕭提（Sir George Solti）&芝加哥交響（Decca）、海汀克（Bernard Haitink）&大會堂（Philips）伯恩斯坦（Leonard Bernstein）&紐愛、倫敦交響（Sony）、庫貝利克（Rafael kubelik）&巴伐利亞廣播（DG）四套可擇一收藏。

另外有三套「準」全集，皆因一兩首未收錄，而未竟全功，但藝術價值更勝前四套：伯恩斯坦&阿姆斯特丹、維也納、紐愛（DG）、鄧許泰特（Klaus Tennstedt）&倫敦（EMI）、華爾特（Bruno Walter）&哥倫比亞交響（Sony）。

伯恩斯坦因作曲、指揮、教學多重身分與馬勒相似，再加上他提出了強而有力的觀點，因此他的馬勒交響曲錄音有不可動搖的歷史地位。對馬勒入門者而言，我建議海汀克、庫貝利克、鄧許泰特三選一，因為這些詮釋不會給人太多先入為主的印象，妨礙了日後對其他版本的接受度。

這裡提到的七個全套版本，我在後續的個別推薦裡，就不再重複提及了。

＊第一號交響曲《巨人》

 很多人聽馬勒不從第一號開始，但我卻認為，這是他交響世界的濫觴，把第一號聽熟對欣賞他後續交響曲很重要。第一樂章木管模擬杜鵑的叫聲，以及第三樂章揉合悲傷與詼諧的「送葬進行曲」都是欣賞重點。版本選擇無須太挑剔，不要太怪異的詮釋皆可，華爾特、庫貝利克都不錯。

較特別的是萊因斯朵夫（Erich Leinsdorf），這位奧國指揮受到華爾特與托斯卡尼尼（Arturo Toscanini）賞識，分別擔任過他們的的助理。在他接任孟治（Charles Munch）擔任波士頓交響音樂總監時，正好灌錄此曲。他有些橋段的處理超乎常理的冷靜，令人耳目一新！

 一八九四年二月十二日，畢羅（Hans von Bulow）死於開羅，遺體運回漢堡在聖米迦勒教堂舉行葬禮，詩班在莊嚴的葬禮上唱了克洛普斯托克（Klopstock）的詩《復活》。心情沉重的馬勒聽到這段合唱後感動不已，之後在漢堡完成第二號交響曲，透露早期的厭世觀。此曲更是貝多芬《合唱》之後，作曲家再次將聲樂融入交響樂中。

一九六○年代之後，每年都有新錄音問世，一直持續到二○○○年，可見《復活》受歡迎的程度。克倫普勒（Otto Klemperer）曾經錄過此曲七次，他與愛樂管絃的版本，弦樂的根基相當穩固，給予人十足的信賴感，不可錯過。阿巴多（Claudio Abbado）的DG 4D版，有著溫暖堂音、細膩音色，錄音效果驚人，但是最感人的還是他抗癌成功，復出琉森音樂節的DVD版。

若論權威性，馬勒忠實樂迷卡普蘭（Gilbert Kaplan）的兩版都值得收藏，第一次它採用一九七○年國際版，熟讀所有細節，音樂中性、內在邏輯強，按譜就班毫無流氣。新版則用被馬勒協會認定官方版本，明顯嗅到更多自信與新鮮，讓人在細節中重新認識馬勒。

企鵝三星帶花的拉圖（Sir Simon Rattle）版在一九八八年極為轟動，獲得該年留聲機「管絃樂」、「年度錄音」兩項大獎。他彷彿參透馬勒的生死思索，以一種大開大闔的態度來詮釋，展現二十一世紀首席指揮的企圖。

＊第三號交響曲《夏日夢境》

 第三號是演出時間最長的一首，通常需要一百分鐘才能奏完，幾乎等於一部電影的長度，也是馬勒交響曲中我個人最愛的！此曲共六樂章，形式類似「交響清唱 劇」，間接闡述大自然對他的音樂思想的影響。第二樂章一開始，英國管、豎琴吹著主旋律搭配著撥弦，之後換成高音弦拉奏主旋律搭配豎琴的撥奏，馬勒配器手法之熟練，令人嘆為觀止！第三樂章遠方飄來的郵號聲音，則是這首交響曲聞名的特徵之一。

我十分喜歡伯恩斯坦&維也納愛樂DG版，以及鄧許泰特&倫敦愛樂EMI版。而沙洛南（Esa-Pekka Salonen）&洛杉磯愛樂以及萊因斯朵夫&波士頓交響，是兩個新近的TAS發燒版，沙洛南表現「超齡」，語法沉穩內斂，在慢板樂章的情緒處理展現了大師風範。

羅培茲柯布斯（Lopez-Cobos）&辛辛納提交響則處理得悶騷不濫情，而且有極佳的節奏感，顯然完全理解馬勒配器的精妙。次女高音米雪兒‧黛揚（Michelle DeYoung）在第四樂章的表現更是可圈可點。

＊第四號交響曲《天堂之歌》

通常會推薦馬勒入門者，先聽第一號與第四號。第四號俗稱「天堂之歌」，樂曲性格愉悅明快，演奏時間也比前兩首短上許多。第四樂章加入女高音天真活潑的唱和，成為全曲最受歡迎的樂章。

老大師錄音中，蕭提&卡娜娃Decca版以及克倫普勒&舒瓦茲可芙EMI版，堪稱兩大山頭，各寫下不可磨滅的聲音記錄。

塞爾（George Szell）率子弟兵克里夫蘭管絃樂團，於一九六五年錄下此曲，音樂顯露濃厚的德奧氣味，權威感十足，令人印象深刻。Telarc當家指揮列維（Yoel Levi）與亞特蘭大交響樂團，則在整體聲音均衡上達到極高的境地，那是一種細膩清純的美感，完全表現出馬勒要求的「極溫和的」境界，詮釋不落俗套。

亞伯拉凡尼爾（Maurice Abravanel）是一位傑出的馬勒及布魯克納的專家，尤其是他的馬勒交響曲更被認為典範。他以自身的多國籍經歷來體驗馬勒種族認同的困擾，細節處有諸多巧思，相當符合馬勒交響曲室內化的美學觀點。

＊第五號交響曲

第五號是馬勒交響曲的中流砥柱，也是繼第一號後又一首純器樂的交響曲，最知名的就是電影「魂斷威尼斯」所引用的第四樂章慢板，哀怨的弦樂主弦律緊扣人心。巴畢羅里（Sir John Barbirolli）&新愛樂的演出，已經是人手一版的超級經典。

但是「酷酷的」布列茲（Pierre Boulez）&維也納，則創造此曲一種世紀末頹廢風味，他不以情緒性的表情、音量來取悅聽眾，而改以各聲部主題間的緊密搭配製造高潮，這種透過有機式的內部默契所營造出來的效果，比起完全訴諸旋律線的情緒，來得更加堅實。

義大利指揮夏伊的馬勒第一號在日本備受好評，第五號也獲得Gramophone、BBC Music雜誌極高的評價。皇家大會堂樂團的音色晶瑩剔透，沒有絲毫的混濁感，彷彿用最好、最自然、解析力最高的相機拍照，畫質清晰且細節豐富。

＊第六號交響曲《悲劇》

稱為《悲劇》的第六號，四個樂章沒有人聲，是一首形式上相當古典的作品，常常與貝多芬《英雄》相提並論。過去發燒友的首選名單，首推伯恩斯坦&維也納的錄音。不過，日本《唱片藝術》的三百名曲新榜單中，布列茲&維也納愛樂版大獲青睞，與伯恩斯坦並列首選。

最精采的是布列茲在第三樂章慢板的表現，看似浪漫，實際上卻是一種若有所失的深層孤寂。音樂似乎喚醒人們心靈，帶來絕望前的黎明。提醒庸俗的世人，面對困境時該如何超脫？該如何度化？馬勒透過音樂提供了他內心的答案。

更早之前的唱片藝術三百名曲，還選出過伯恩斯坦&紐愛、李汶&倫敦交響、阿巴多&芝加哥等傑出版本，企鵝指南也有幾個三星版本。

＊第七號交響曲《夜曲》

第七號共有五樂章，被稱為「夜曲」是因為第二、第四樂章都有夜曲風格。第一樂章由銅管吹出詭異帶有哀怨的送葬進行曲，是相當知名的一段。第四樂章馬勒加入吉他、曼陀林、豎琴等彈撥類樂器，使其成為全曲最容易被接受的一個樂章。鄧許泰特&倫敦愛樂獲企鵝三星帶花佳評，是不可或缺的經典版本。

辛諾波里（Giuseppe Sinopoli）&愛樂管弦版，以及布列茲&克里夫蘭版詮釋上則英雄所見略同，他們都像拿顯微鏡分析樂曲，將各聲部的肌理與情緒都清楚地放大。只不過布列茲的顯微鏡帶著冷靜清晰的鏡片，而辛諾波里的處理就戲劇化多了。

辛諾波里不僅雕琢出各聲部精緻的聲音，諸如小號聲音的飽滿、立體感，定音鼓敲擊的豐厚，音樂資訊量密度高、黏稠性強，呈現標準的辛諾波里風範！

＊第八號交響曲《千人》

現場指揮掌握千位演出者的困難可想而知，而錄音時希望重現磅礡氣勢更是難上加難，光是動態範圍的收錄，就足以傷透錄音師的腦筋。要講錄音，TAS推薦的羅伯蕭（Robert Shaw）&亞特蘭大交響，以及發燒友人手一張的蕭提&維也納愛樂，獨唱與合唱都極佳，是兩個最佳選擇。

就音樂性而言，我相當推薦鄧許泰特的《千人》，企鵝評鑑則把三星帶花給了辛諾波里&愛樂管弦，不過這兩個版本談到錄音就略遜一籌。日本《唱片藝術》提到伯恩斯坦&倫敦版，熱情十足且配上樂團的穩陣，形成良好的平衡感。另外，庫貝利克&巴伐利亞版，整體表現淡雅清新，在這個講究氣勢的作品上來說，相當不易。

＊第九號交響曲

第九號是馬勒最後一首「完整創作」管絃作品，其實此曲是他「第十號交響曲」，但因馬勒擔心自己死於「九的魔咒」，因而刻意迴避第九的編號。精神分析師賴克（Theodor Reik）曾說，馬勒看到貝多芬、舒伯特、布魯克納（他早馬勒十五年過世）等人，都寫了九首交響曲後過世，因此對第九號交響曲相當忌諱，算是「驅迫性精神衰弱」的患者。

怎知歷史有其命定，馬勒最後還是只寫了九首交響曲（《大地之歌》是他原本的第九號，第十號則未完成）便辭世。錄音上，朱里尼（Carlo Maria Giulini）&芝加哥版，甚受日本樂評推崇，音樂既華麗又細膩，一種孤傲絕世之感。卡拉揚&柏林版則把音樂處理得猶如水晶般細膩剔透，巴畢羅里&柏林版則是充滿真誠的優雅，再加上伯恩斯坦&柏林版，堪稱這個曲子最值得收藏的四個版本。

＊第十號交響曲

馬勒留有部分不完整的手稿，之後第一、三樂章由Krenek編輯，其餘的由Franz Schalk以及Alexander von Zemlinksky完成，一九二四年在維也納由Schalk指揮演出。之後，馬勒音樂學者Deryck Cooke依據馬勒死後的斷簡殘篇，補齊第十號，並於一九六四年首度廣播演出，指揮是Berthold Goldschmidt。Cooke版首度公開演出，則在同年在倫敦同樣由Goldschmidt指揮，樂譜出版則在一九七六年。

由於第十號的「完整版」並非出自馬勒親手，因此錄音版本也不多，參考價值遠勝於欣賞價值，其中以拉圖&柏林愛樂最具知名度。

馬勒終其一生是個關心「人是什麼」的懷疑論者，他曾問華爾特：「我們來自何處？我們將走向何處？我怎麼理解上帝造物的殘酷和惡意？生命的意義難道最終會由死亡來揭示嗎？」一連串的疑問，顯示馬勒經常沉溺於哲學的思索。華爾特認為馬勒的交響曲，是他不斷苦思人生問題之後所嘗試傳達的解答。

他的交響曲可以說延續貝多芬、舒伯特、華格納等人的精神技法，並融入李斯特、白遼士的標題主義。因此馬勒認同暗示性標題、隱藏式標題的交響美學，換言之，他的交響曲都有隱而不宣的內在標題，主要勾勒出作品精神讓欣賞者有概略理解的方向。

精神分析師賴克又說，「馬勒追求超越現世的、神秘的形而上真理，探究絕對超越的、超自然的秘密而不覺厭倦，但是他沒想到這樣的境界是根本不存在的。」他的交響曲往往出現超現實的體驗，一種精神狀態的意識流轉，交雜虛無與實證、融合戲謔與沉重，呈現一種前所未有的管絃美感，令人讚嘆。

連結：

馬勒交響曲的錄音版本（上）http://mypaper.pchome.com.tw/classic/post/1243740421

馬勒交響曲的錄音版本（下）http://mypaper.pchome.com.tw/classic/post/1243740535）